El palacio toscano: Michelozzo Michelozzi

Palacio Medici-Riccardi

Michelozzo Michelozzi fue quien sentó las bases de la arquitectura civil del Renacimiento llevando a cabo el palacio Medici-Riccardi en 1444, mandado construir por Cosme el Viejo (perteneciente a la familia Medici), y que está ubicado en la que era la Vía Lata (hoy Vía Cavour) de Florencia. Fue una renovación tipológica, ya que se abandona la idea de fortaleza que había hasta el momento y que provenía de la Edad Media.

Planta

Es una construcción completamente armoniosa y proporcionada. La fachada consta de tres pisos que están delimitados cada uno de ellos por una línea de imposta, y cuya altura va disminuyendo progresivamente de abajo a arriba. Lo mismo pasa con la profundidad del almohadillado que en la parte superior es mucho más suave que en la parte inferior.

El edificio esta rematado por una cornisa apoyada en ménsulas diseñada a partir de modelos clásicos, lo que deja ver que Michelozzo se inspiro en la arquitectura  de la antigüedad.

Patio del palacio

La planta del palacio se organiza en torno a un patio central interior por donde entra la luz y el aire a las dependencias. Este patio se articula a través de cuatro crujías con tres arcos en cada una. Era en este espacio del edificio donde Cosme el Viejo y su nieto Lorenzo el Magnífico acumularon esculturas de época clásica para que los artistas que dieron origen al renacimiento viniesen a estudiarlas.

Capilla de los Magos

Cabe destacar la capilla de los Magos, con unas medidas relativamente pequeñas, pero con un rico techo artesonado y sillería de madera. En dicha capilla aun se conservan los frescos realizados por Benozzo Gozzoli en 1460.

En 1659 paso a manos de la familia Riccardi, que lo reformó, prolongando en siete ejes la parte frontal del edificio.  Fueron los miembros de esta misma familia quienes vendieron en 1814 el palacio al estado. Actualmente es la sede del consejo provincial.

En conclusión el Palacio Medici-Riccardi sentó las bases para los palacios toscanos del Renacimiento, como es el caso del Palacio Rucellai de Alberti o el Palacio Pitti de Brunelleschi.

La tribuna de los cantores, Luca della Robbia

Cantoría, Luca della Robbia

Actualmente en el Museo de la Opera del Duomo, Florencia, la Cantoría de Luca della Robbia, realizada en mármol, fue mandada construir para la catedral de esta misma ciudad en 1431. Fue concluida en 1438 y  debía formar pareja con la de Donatello, llevada a cabo en las mismas fechas aproximadamente.

Detalle lateral

La pieza está compuesta por diez relieves, ocho en el frente y dos en los laterales, y están encuadradas en un marco arquitectónico, separando cada relieve por pares de columnas.

Las escenas aluden al Salmo 150, la música como forma de glorificación del señor. El artista esculpe cada uno de los instrumentos nombrados en el texto bíblico. Y representa fielmente a los cantores, tanto es así que se podría decir hasta las notas entonadas por cada uno de ellos.

Detalle frontal

Della Robbia utiliza diferentes técnicas escultóricas, desde el alto relieve hasta el schiacciato (el relieve aplanado), para darle así profundidad a la representación. Los pliegues de los ropajes y los instrumentos también ayudan a crear dinamismo y efecto de movimiento.

La obra se desmontó en 1688 con motivo de la boda de Fernando de Medici con Violante de Baviera y no se volvió a reconstruir hasta el año 1895.

Masaccio, pionero en la perspectiva científica

Capilla Brancacci

Siguiendo con el Quattrocento italiano, le llega el turno a Masaccio, iniciador de la perspectiva matemática,  y su trabajo en la Capilla Brancacci.

Esta capilla está ubicada en la iglesia de Santa María del Carmine, en Florencia y sus frescos fueron encargados por el comerciante de tejidos Felipe Brancacci. Este encargo recayó en las manos de Masolino en 1424, y que dejo inacabado por un viaje a Hungría.

La expulsión del Paraíso
(Capilla Brancacci)

Fue entonces cuando Masaccio continúo en solitario, en 1425, el trabajo en la capilla, ya que había estado ayudando a Masolino hasta entonces.

Es considerada la obra más importante del artista por ser decisiva en la historia del arte, ya que fue el primero en aplicar la perspectiva científica de Brunelleschi, creando una representación tridimensional del espacio, acuerdo con los principios geométricos de la perspectiva del arquitecto.

El objetivo principal de Masaccio era mostrar las situaciones y los sentimientos, como se puede ver en el realismo y los gestos de desesperación del fresco de La expulsión del Paraíso.

El tributo al César (Capilla Brancacci)

Sus figuras son monumentales y naturalistas, representando amplios mantos, grandes pliegues y sin rigidez, como si fueran togas romanas. Algo también relevante es que  abrió el camino como pionero en el tratamiento de la luz con sus claroscuros.

Los frescos fueron concluidos por Filippo Lippi en la década de 1480, ya que Masaccio falleció en Roma en 1428.

"Cúpula capaz de cubrir con su sombra a todos los pueblos toscanos" (Leon Battista Alberti)

Santa María del Fiore

La catedral de Santa María del Fiore, en Florencia, se comenzó en 1296, siendo su primer arquitecto el también escultor Arnolfo di Cambio, el cual proyectó un edificio de estilo gótico toscano con tres naves.

En 1368 se fijó el tamaño y la forma que debía tener la cúpula que cerrara la catedral, pero surgieron numerosos problemas técnicos por sus enormes dimensiones, 45 metros de diámetro en la base y casi 100 metros de altura, por lo que dichos problemas quedaron sin resolver durante décadas.

Máquina de Brunelleschi recogida
 por Leonardo en su Códice Atlántico

En 1418 se decidió convocar un concurso, por parte de los miembros de la cofradía del “Arte de la Lana”, destinado a encontrar una solución viable para el problema de la gran cúpula, y en el cual participaron, entre otros, Donatello, Ghiberti y Brunelleschi, saliendo este ultimo como elegido.

Brunelleschi comenzó a construirla en el año 20 de ese mismo siglo, proyectando una cúpula  como remate del crucero, de perfil apuntado sobre un tambor octogonal, dejándola completamente en el aire. Con una elevación de más de 100 metros tuvo que servirse de una gran variedad de recursos arquitectónicos, e inclusive diseñó grúas y herramientas desconocidas en aquel tiempo.

Los materiales utilizados para la construcción, y elegidos personalmente por el arquitecto, fueron la piedra, para el asentamiento de la cúpula, ya que es un material resistente; el ladrillo para la mayor parte de la obra, por ser un material ligero, con una disposición  en  “Espina Pesce” (espina de pez), típica de la arquitectura romana; y por último el mármol, utilizado en los nervios y el revestimiento del tambor. Para

este último se utilizaron mármoles de color verde, blanco y rojo.

El arquitecto realizó dos cúpulas aprovechando el ancho del tambor de 4 metros, una sobre el borde interno y otra sobre el borde externo, creando en el interior un hueco por donde se pudiera transitar. Con esta solución también se reducía el peso de la construcción ya que no tenia cimbra.

Los planos que llevo a cabo Brunelleschi mostraban una galería con arcos al pie de la cúpula, que solo llegó a hacerse en uno de los lados en 1508. Esta galería fue definida por Miguel Ángel como una “Jaula de grillos”

No existe ningún ejemplo cercano en el tiempo en el que Brunelleschi pudiera inspirarse, algunos historiadores del arte creen que pudo tomar como modelo la cúpula del Panteón de Roma. Solo fue superada 150 años después por la cúpula de la basílica de San Pedro, obra de Miguel Ángel.

El 25 de Marzo de 1436 se consagra la cúpula, que causó gran admiración y que el propio Brunelleschi no pudo verla terminada, siendo la obra a la que consagró su vida. La linterna que remata la obra se llevo a cabo años mas tarde, en 1446, dándole una altura de 106 metros.

Es indudable que es la obra maestra de la arquitectura  del renacimiento temprano, uno de los emblemas de la ciudad de Florencia, cuna del propio Renacimiento.

El inicio del Renacimiento

En el invierno de 1401, fecha que algunos historiadores del arte consideran como el inicio del Renacimiento, el gremio del Arte de los comerciantes de Florencia, convocó un concurso para realizar la puerta norte del Battistero di San Giovanni de Florencia. Los participantes debían realizar un relieve en bronce dorado sobre el sacrificio de Isaac, siguiendo el modelo de la puerta sur que había sido realizada por Andrea Pisano.

Sacrificio de Isaac- Brunelleschi

Los únicos proyectos que se conservan a día de hoy, en el Museo de Bargello, son los realizados por Ghiberti y Brunelleschi, saliendo vencedor del concurso el primero de los dos con tan solo veintitrés años.

Ghiberti ganó seguramente porque llevó a cabo la obra de una sola fundición, por lo que la realización de la obra saldría mucho más económica.

En ambos modelos se representa el momento más dramático, en el que para probar su fidelidad, Abraham se dispone a sacrificar a su primogénito Isaac por mandato divino. Los elementos que tenían que estar presentes en la pieza eran los personajes (Abraham, Isaac, el ángel y los criados), el altar y la referencia al Monte Moriá.

Sacrificio de Isaac- Ghiberti

Brunelleschi agrupa los elementos en una composición ordenada, cuya escena principal se cierra con un triángulo. Este hace un guiño al período helenístico añadiendo en la parte inferior derecha un espinario, figura que se quita una espina del pie.

Sin embargo Ghiberti lleva a cabo una composición centrípeta, que permite armonizar dos escenas diferentes, el sacrificio y los criados, la separación de estas viene dada por la roca que corta la escena de forma diagonal. Es una composición más compacta y unitaria que la de Brunelleschi. Su canon, ropajes y anatomías remiten a los modelos de la antigüedad.

Puerta del Paraíso- Ghiberti

Tras finalizar la puerta norte del baptisterio en 1424, Ghiberti, recibió el encargo de la que se conoce como “Puerta del Paraíso” en 1425, llamada así porque Miguel Ángel dijo que era digna de adornar las puertas del paraíso. Trabajó en ella alrededor de 27 años, siendo ya un maestro en el arte del relieve en bronce.

¿Qué es el arte moderno o de la época moderna?

Mucha gente cuando escucha hablar del arte moderno lo primero en lo que piensa es en Picasso, Dalí, Miró, o en esas obras con formas extrañas y para muchas personas incomprensibles del siglo XX.

Esto que se conoce como arte moderno en realidad es el arte contemporáneo.

El arte moderno o de la edad moderna comprende los siglos XV al XVIII, pasando así por diferentes periodos artísticos, siendo el primero el Renacimiento en el siglo XV (aunque comienza a manifestarse a finales del Siglo XIV en Italia) y que a su vez se divide en distintos subpériodos (Quattrocento, Cinquecento y Manierismo).

Se produce la aparición de un nuevo lenguaje, artísticamente hablando, gracias en gran parte a la difusión de las ideas del humanismo.

El nombre de “Renacimiento” se toma ya que una de las principales características de este período es su vuelta a la antigüedad de forma deliberada, al mundo clásico grecorromano y al desarrollo de esa cultura.

En conclusión, el Renacimiento tendrá un carácter moderno y renovador siendo el vehículo perfecto para el cambio de tiempo.

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Desde este pequeño rincón del ciberespacio recorreré el mundo del arte de la Edad Moderna, poniendo especial atención en lo acontecido en la península itálica, teniendo en cuenta siempre las influencias de cada una de las obras o autores y sus posteriores consecuencias.

Espero que disfrutéis conmigo tanto como yo lo hago con el arte.